Pep Vidal, entre arte y ciencia

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Obra “From nothing to void” de Pep Vidal compuesta por una serie de cápsulas en diferentes estados hasta alcanzar el vacío casi absoluto (foto de Roberto Ruíz).

Pep Vidal sostiene que el arte y la ciencia cuentan con muchos elementos en común. Así lo afirma en una entrevista concedida a Ester S. Cacho este mismo año: “Tanto en ciencia como en arte la línea de trabajo y el proceso de investigación son procedimientos análogos. Cada campo da un resultado diferente pero el proceso es muy similar. 
Por otro lado, la figura del artista y la figura del científico también tienen muchas cosas en común. Por ejemplo, ambos tienen que estar produciendo contenidos constantemente; el artista obras de arte y el científico artículos científicos. En ambos casos, dicha producción tiene que estar validada por sus respectivas comunidades.  También está el tema de la multidisciplinariedad; en el campo de la ciencia es cada vez más común que científicos de diferentes campos trabajen en colaboración: físicos con biólogos, ingenieros con químicos, etc. Lo mismo pasa en el campo del arte.”

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Fotografía: Roberto Ruiz

Su peculiar trayectoria -licenciado en Matemáticas, máster en Fotónica y doctorado en Física con una tesis sobre algoritmos matemáticos enfocados a mejorar la precisión de los instrumentos utilizados en el sincrotrón ALBA- ha hecho de él un artista singular, como él mismo reconoce: “para mí cada vez es más difícil saber si lo que estoy haciendo es arte o es ciencia. En todos mis proyectos como artista hay una componente científica muy importante. Al principio me esforzaba en determinar si mi trabajo estaba más cerca de la ciencia o del arte. Ahora ya no me interesa determinarlo. Me he dado cuenta de que lo importante no es saber si mis obras se exhibirán en el Museo de la Ciencia o en una galería de arte. Lo relevante es saber por qué quiero hacer eso, cuáles son las motivaciones que me mueven. A menudo sucede que una obra nace de una cuestión científica que evoluciona hacia un lado más artístico, por ejemplo. Así pues, no hay una separación muy clara entre una cosa y la otra.”

Así, incluso los lugares donde exponer reflejan esta dualidad: “Una de las cosas de la que estoy más orgulloso es del hecho de que muchas de mis obras nacen de la colaboración entre una institución artística y una institución científica. Eso hace que gran parte de mi trabajo tengan sentido tanto en un contexto científico como artístico. Por ejemplo, en algunas ocasiones, un mismo trabajo se ha exhibido en el jardín botánico y en el sincrotrón ALBA o en el Centro Nacional de Microelectrónica. En este sentido, una pieza clave de mi obra es mi tesis doctoral con la que en 2014 gané el Concurso de Artes Visuales Premio Miquel Casablancas. La tesis que presenté a concurso era exactamente la misma que presenté al tribunal de tesis el día de mi defensa. No había ningún cambio de formato. Posteriormente, esta tesis, este trabajo científico, estuvo en exhibición en el CaixaForum como obra artística.”

Pep Vidal obtuvo en 2014 el premio Miquel Casablancas y ha expuesto entre otros lugares en la Fundació Tàpies o en el CaixaForum. En el campo de la divulgación científica, Pep fue co-fundador de granja.cat, un proyecto para la difusión de la cultura matemática, especialmente entre los niños y niñas, con talleres, charlas y otras actividades.

Su obra puede verse en la web:

http://www.pepvidal.com/projects

La entrevista completa con Ester S. Cacho se encuentra en la siguiente dirección:

https://esterscacho.wordpress.com/

 

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Fotografía: Pep Herrero

 

Bibliografía:

https://esterscacho.wordpress.com/

http://www.pepvidal.com/projects

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Doppler Eco Tac, de Miriam Isasi

DOPPLER ECO TAC es un proyecto de la artista Miriam Isasi, cuyo objetivo es indagar en torno al sonido y su formalización desde lo vivencial, empleando la física como motor de partida y, en concreto, el efecto Doppler, esencial dentro de un  modelo diagnóstico tan habitual en la actualidad como es el de la resonancia magnética.

La resonancia magnética emplea imanes y potentes ondas de radio para crear imágenes del cuerpo. Esto se consigue mediante el efecto Doppler, que fue descubierto por el físico austriaco Christian Andreas Doppler. El efecto consiste en que cuando un objeto se aleja o se acerca a una persona, el sonido que emite varía en su frecuencia. Los ultrasonidos que rebotan en la sangre son diferentes según la dirección y la velocidad del flujo de sangre. Mediante estas alteraciones en las ondas de ultrasonido, el ecógrafo puede interpretarlas y asignar un color concreto para cada frecuencia.

El proyecto artístico, que se expuso en el espacio Montehermoso en Vitoria en 2016, se plasma en una instalación que muestra las tres grandes fases del proyecto: la partitura compuesta a  partir de sonidos brutos obtenidos de varias resonancias magnéticas, la interpretación realizada por la  orquesta, y cinco piezas audiovisuales que dialogan con la música, entre otros elementos.

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Mención especial merece la música del compositor Joan Espasa, una singular partitura que aporta un fondo extraordinariamente grave y solemne a la creación de Isasi. El punto de partida del trabajo composicional fueron los datos obtenidos de una ecografía de efecto Doppler a la que fue sometida la propia artista, una prueba diagnóstica relacionada con una pérdida temporal de visión, dolencia que es conocida en el argot médico como amaurosis fugaz.

La grabación de las piezas se realizó en el Teatro Barakaldo, con la participación de intérpretes como Ainara LeGardon, Izadi Vélez de Mendizábal y Mario Sarramián, entre otros.

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Ainara LeGardon, por Mario Sarramián. Grabación de la obra “Buco”, de Joan Espasa para el proyecto “Doppler eco tac” de Miriam Isasi. Teatro Barakaldo, 05/07/16.

En el siguiente vídeo, la artista nos deja una introducción de su trabajo:

 

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tumblr_static_boqhz75ygbkkckkw8cw0c08gsSYMMETRY! es un montaje fílmico que mezcla Danza, opera y ciencia: todo en uno. Este film rodado en el CERN, el mayor acelerador de partículas del mundo, es toda una curiosidad y un interesante hito en la interrelación entre arte y ciencia.

“En la búsqueda de la partícula más pequeña… él descubre la danza del cosmos”

Una peculiaridad de su producción es que el propio CERN ha participado en este ambicioso proyecto artístico que explora y fusiona los mundos de la ciencia, el arte y la filosofía. Nada menos.

http://www.symmetrymovie.com/

El trailer se puede ver aquí:

Arte microbiano

El arte microbiano​ o arte con gérmenes es aquel que se realiza con bacterias vivas, hongos y protistas siguiendo ciertos patrones. Este tipo de arte, curiosamente, no es en absoluto novedoso sino que se ha practicado desde hace muchos años. Por ejemplo, el propio Alexander Fleming (1881-1955) fue uno de los primeros en experimentar con microorganismos la producción de arte mediante la creación de “pinturas germen”. En este tipo de creaciones las placas de agar se suelen utilizar como lienzo, y las diferentes bacterias y levaduras pigmentadas o fluorescentes hacen las veces de pintura.

También existe una técnica llamada “bacteriografía”, que implica matar selectivamente ciertas áreas de un cultivo bacteriano mediante radiación, con el fin de producir patrones artísticos. Después de la incubación, la cultura es sellada con acrílico.

La creación de Arte microbiano contiene algunas llamativas especificidades: una de ellas es que resulta casi imperceptible a la vista humana. Es arte microscópico, arte hecho con bacterias, así que ya se sabe, el que quiera contemplarlo de primera mano necesitará la mediación de un microscopio.

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Como es posible observar en estos ejemplos, el arte microbiano utiliza las bacterias para crear piezas únicas a raíz de la transformación y la evolución de estos microorganismos vivos.

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Otra de las curiosidades de este tipo de creación es que se mantiene vigente un concurso específico de arte microbiano: el “Agar Art”, un certamen de pintura utilizando bacterias que es organizado por la American Society for Microbiology. En este peculiar concurso participan creaciones procedentes de todo el mundo proporcionando obras asombrosas que pueden contemplarse en su página web.

Los ganadores del año 2017 se pueden contemplar en la siguiente dirección:

https://www.asm.org/index.php/public-outreach/agar-art

Entre los metacrilatos de este certamen se han podido contemplar creaciones coloridas de salmonella, enterococcus faecalis, streptococcus, escherichia coli y muchos más.

¡Ojo!, mirar pero no abrir.

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To Scale: The Solar System

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La mayoría de las recreaciones del Sistema Solar suelen representar adecuadamente el tamaño relativo del Sol y los planetas, pero casi siempre fallan a la hora de reflejar las distancias reales entre ellos. Es relativamente sencillo representar las órbitas de los planetas, pero para lograr que sean visibles en un modelo a escala que respete sus tamaños y distancias relativas entre ellos, se necesita una extensión de varios kilómetros.

Bajo este punto de partida, los cineastas Alex Gorosh y Wylie Overstreet se plantearon el desafío de construir un modelo con las órbitas a escala real del Sistema Solar en un gran espacio abierto del desierto de Nevada. Después, representaron las órbitas circulares de los planetas con sus vehículos iluminados, que filmaron con la técnica de ‘time-lapse’. El resultado es un vídeo asombroso que refleja las impresionantes dimensiones de nuestro Sistema Solar, y que refleja, en palabras de Overstreet, cómo nuestro planeta es “una diminuta canica flotando en medio de la nada”. Recogiendo todo el material derivado de este proyecto surgió el fascinante cortometraje To Scale.

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“Cuando tomas conciencia de esto, la sensación es verdaderamente apabullante”, concluye el autor del proyecto. De hecho, al final del vídeo, el astronauta James Lovell, comandante de la misión Apolo 13, recalca esta idea al recordar cómo desde la órbita de la Luna, podía tapar la Tierra con su pulgar: “Todo lo que conocía cabía detrás de mi dedo”.

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Partiendo de una Tierra del tamaño de una canica, necesitas un área de unos 11.2 km para incluir la órbita del planeta más exterior, Neptuno.

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Al estar de pie al lado de la Tierra en el modelo a escala, el globo que representa el sol aparece exactamente del mismo tamaño que el sol real.

Jorge Méndez Blake: una mirada peculiar sobre el poder del libro

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En el trabajo de este artista se despliega una insurgencia conceptual que replantea constantemente lo utópico como ficción de un mundo idealizado, generando críticas agudas sobre estos constructos del pensamiento humanista. En su obra Das Kapital (2009) -mostrada en la galería Meessen de Clercq en Bélgica (2009) y en el Museo Amparo de Puebla en México (2011)- hace referencia a una obra crucial de la ideología política alemana que fue punto de referencia para el pensamiento y desarrollo socio-económico mundial, así como para el activismo insurgente del siglo XX: El Capital, co-escrita por el filósofo economista Karl Marx.

Méndez Blake reactiva la lectura de la obra partiendo de la trascendencia histórica de la misma, la materialidad del objeto-libro y del significante del apellido de su co-autor. Das Kapital está compuesta de tres momentos a manera de instalación: 1. La colocación del libro de Marx debajo de un muro de ladrillos superpuestos (sin aglutinante) que sostiene la estructura, confiriéndole una carga simbólica que en la actualidad parece permanecer estática y sin movilidad de reinterpretación. Como si el libro, sopesara la multiplicidad de significados que se han derivado de la obra en sí, haciéndola presa de sus propias lecturas o incluso aboliéndolas. 2. La impresión de cien páginas de El Capital son enmarcadas, intervenidas con lápiz rojo y puestas al espectador como vestigios sueltos de un pasado quieto que sobrevive como culto colectivo. El título de esta pieza The Course of True Love Never did run Smooth (2009), corresponde a una frase de William Shakespeare de la obra de teatro Sueño de una noche de verano, que el propio Marx cita en El Capital y que el artista subraya en rojo, aumentando así, la carga irónica por tratarse de una comedia amorosa y por el estadio de letargo que se desprende del título de la pieza teatral. El guiño que el artista hace a la frase del dramaturgo inglés parece aludir al carácter revolucionario de los estatutos de Marx y lo que probablemente éstos implicarían en el futuro. 3. El apellido del ideólogo aparece en luz neón con dos equis más al final: MARXXX (2009), atribuyendo cierta banalidad y exotización a la palabra. El letrero sin importar el apellido que ostenta, desdibuja la importancia del autor alemán a la par que abre una reflexión crítica sobre la vigencia y el posible reciclamiento de su ideología.

 

Das Kapital, 2009. Ladrillos, libro. Medidas variables.

(Cortesía del artista y la Galería Meeseen de Clercq, Bruselas)

 

 

Das Kapital (Detalle), 2009.

Ladrillos, libro. Medidas variables.

(Cortesía del artista y la Galería Meeseen de Clercq, Bruselas)

En la intervención que el artista realizó en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de México El Castillo (2008) -probablemente el antecedente más cercano al dispositivo utilizado en Das Kapital (2009)- el muro de ladrillos se sostuvo a lo largo de la Sala Gamboa del museo gracias al detalle casi imperceptible del libro homónimo de Franz Kafka atrapado bajo la larga pared.      96   800x600   Normal   0   21   false   false   false   ES-TRAD   JA   X-NONE   /* Style Definitions */ table.MsoNormalTable 	{mso-style-name:"Tabla normal"; 	mso-tstyle-rowband-size:0; 	mso-tstyle-colband-size:0; 	mso-style-noshow:yes; 	mso-style-priority:99; 	mso-style-parent:""; 	mso-padding-alt:0cm 5.4pt 0cm 5.4pt; 	mso-para-margin:0cm; 	mso-para-margin-bottom:.0001pt; 	mso-pagination:widow-orphan; 	font-size:10.0pt; 	font-family:Calibri;}      El castillo     /   The Castle  ,       2007    Ladrillos, edición de  El castillo  de Franz Kafka /   Bricks, edition of Franz Kafka’s  The Castle     2300 x 1750 x 40 cm    Detalle / Detail          El contraste entre el pesado material y la fragilidad-vulnerabilidad del objeto-libro establecen sutiles comentarios sobre las quasi invencibles estructuras del poder sistémico versus la voz del ciudadano común. Que la intervención tuviera lugar en una institución cultural, resignifica la intención del artista así como la carga política de la obra kafkiana.

     96   800x600   Normal   0   21   false   false   false   ES-TRAD   JA   X-NONE   /* Style Definitions */ table.MsoNormalTable 	{mso-style-name:"Tabla normal"; 	mso-tstyle-rowband-size:0; 	mso-tstyle-colband-size:0; 	mso-style-noshow:yes; 	mso-style-priority:99; 	mso-style-parent:""; 	mso-padding-alt:0cm 5.4pt 0cm 5.4pt; 	mso-para-margin:0cm; 	mso-para-margin-bottom:.0001pt; 	mso-pagination:widow-orphan; 	font-size:10.0pt; 	font-family:Calibri;}      El castillo     /         The Castle    , 2007    Ladrillos, edición de  El castillo  de Franz Kafka /   Bricks, edition of Franz Kafka’s  The Castle     2300 x 1750 x 40 cm

Cuerpos Gramaticales: memoria y reflexión desde la tierra

Cuerpos Gramaticales busca generar, según sus creadores, un espacio de “catarsis colectiva alrededor de las huellas de una guerra histórica”. La primera versión de esta acción se realizó en el 2014 con el objetivo de hablar de los desaparecidos en Colombia y de sus familias.

La filosofía artística de la que parte, y en la que manifestaciones como el grafiti, el teatro o las labores realizadas con tejido se combinan con el hip hop, surgió como un proceso de resistencia tras los asesinatos y desapariciones registrados en el operativo militar llevado a cabo entre el 16 y el 17 de octubre de 2002 por miembros de las Fuerzas Militares y la Policía Nacional, con apoyo de la Fuerza Aérea de Colombia, en la Comuna 13 San Javier de la ciudad de Medellín. «Dispararon de manera indiscriminada; más de 300 personas desaparecieron y más de 70 fueron asesinadas».

La iniciativa, en la que participan también organizaciones como AgroArte, Semillas del Futuro y Unión entre Comunas, pretende unir lazos en pro de recuperar una memoria que está en disputa con otros relatos hegemónicos y que buscan silenciarla.

Este año esta actividad llegó en mayo a Barcelona, organizado por el ICIP con el apoyo del Ayuntamiento de Barcelona, y llegará también a Gernika, dentro del proyecto ‘Estrategias de Memoria, Verdad y Reconciliación’. Los participantes «plantarán sus cuerpos en la tierra como una forma de reparación simbólica por el dolor que cargan cada vez que se registra un conflicto en el mundo» y también “para hablar de sus dolores personales que se vuelven colectivos, pues representa el cuerpo de la violencia histórica”.