Stephen Hawking retratado

Como cualquier icono pop contemporáneo, Stephen Hawking ha sido retratado por diferentes artistas de todo tipo, pintores, retratistas, tatuadores o escultores: Lucien Freud, Agustín Sciammarella, los hermanos Chapman, Frederick George Rees o Yolanda Sonnabend, entre muchos otros, se han inspirado en la figura carismática del científico para sus trabajos.

Hemos hecho una selección de las obras más destacadas de todas aquellas en las que Hawking es el protagonista:

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Álvaro Delgado
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Alex Alemany
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Agustín Sciammarella

 

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Lucien Freud
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Yolanda Sonnabend
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Tai-Shan Schierenberg
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Frederick George Rees
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Pepe Lozano
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David Corden Tattos
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Eve Shepherd
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Jake and Dinos Chapman
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Samuel B. Morse… ý también pintaba

 

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Lafayette, por Morse

Este retrato del marqués de Lafayette -uno de los héroes de la independencia americana- es, tal vez, la obra pictórica más conocida de Samuel Finley Breese Morse, el célebre inventor del telégrafo.

Morse nació en Boston, Massachussets (EE.UU) un 27 de abril de 1791. Era hijo del clérigo protestante Jedidiah Morse, un geógrafo notable de la época y recibió una educación acorde a su clase: buenas academias y, visto que el muchacho tenía cierto talento, acabó en Yale, aunque allí, según parece, no prestaba una gran atención a cuestiones que no fueran aquellas por las que hoy le conocemos: la pintura y la electricidad.

Pero como decimos, tenía talento y se graduó sin problemas. Eso sí, después de trabajar durante un tiempo en una editorial de Boston, convenció a sus padres para que le permitieran viajar a Londres para formarse en bellas artes, ciudad donde consiguió cierto renombre como retratista y escultor.

Cuando regresó a los Estados Unidos en 1825, se estableció en la ciudad de New York, donde se ganó la vida como retratista, convirtiéndose en un pintor   ampliamente respetado. Sería, además, fundador y primer presidente de la Academia Nacional de Dibujo y profesor de arte y diseño de la Universidad de la Ciudad de New York.

Años después Morse regresó a Europa y se fue aficionando a la química y la electricidad, sobre todo a partir de los descubrimientos realizados por el francés André-Marie Ampère relacionados con la corriente eléctrica y el magnetismo.
Fue de regreso a Estados Unidos en 1832 cuando concibió la idea de crear un telégrafo eléctrico que sirviera para enviar mensajes a largas distancias a través de un cable. La idea no era nueva, aunque nadie había conseguido materializarla.

En 1835 tenía acabado el primer prototipo de telégrafo y, en 1838, consiguió culminar el código que permitiría cursar los mensajes, más conocido después como alfabeto o código Morse, compuesto de puntos y rayas.

En 1843 consiguió la patente y el Congreso norteamericano aprobó la construcción de una línea experimental entre Washington y Baltimore.

El  24 de mayo de 1844, Morse transmitió su popular mensaje a través del telégrafo (“Lo que Dios ha creado”, la inevitable cita bíblica) desde la cámara de la corte suprema en el sótano del Capitolio a Baltimore.

El bueno de Morse trató de conciliar los dos ámbitos de trabajo: el artístico y el científico, pero su éxito con el telégrafo desdibujaría su carrera pictórica y acabó abandonando la pintura para centrarse en sus experimentos. Ganamos un telégrafo pero perdimos algunos buenos cuadros.

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A pesar de todo, hoy en día es posible apreciar su trabajo en un buen puñado de cuadros en los que despliega su destreza con los pinceles: una faceta no tan conocida pero no menos interesante. Y sorprendente.

 

 

Infinity Mirror Rooms, por Yayoi Kusama

El primer Infinity Mirror Room fue desarrollado en 1965 por la artista y escritora japonesa Yayoi Kusama. Desde entonces la intensa repetición de objetos y pinturas a través del uso de espejos se ha convertido en una experiencia perceptiva de amplio alcance.

A lo largo de su carrera, la artista japonesa ha producido más de veinte salas de espejo Infinity. Así, cada uno de los ambientes caleidoscópicos de Kusama ofrece la oportunidad de entrar en una ilusión de espacio infinito. Las habitaciones también ofrecen la oportunidad de examinar los temas centrales del artista, como la celebración de la vida y sus consecuencias.

Espacialmente una Infinity Mirror Room resulta paradójica, porque aunque el visitante es consciente de que se trata de un sitio reducido, sin embargo nos produce una imparable sensación de amplitud e incluso de infinitud (como su nombre indica).

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Observando las reacciones del público, se alude frecuentemente a la multiplicidad de significados, a la resistencia que ofrece a la aprehensión y la conceptualización, y su capacidad de hacer posible una experiencia que amplía los horizontes de percepción.

Más sobre Kusama en su web: http://yayoi-kusama.jp/

 

Pep Vidal, entre arte y ciencia

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Obra “From nothing to void” de Pep Vidal compuesta por una serie de cápsulas en diferentes estados hasta alcanzar el vacío casi absoluto (foto de Roberto Ruíz).

Pep Vidal sostiene que el arte y la ciencia cuentan con muchos elementos en común. Así lo afirma en una entrevista concedida a Ester S. Cacho este mismo año: “Tanto en ciencia como en arte la línea de trabajo y el proceso de investigación son procedimientos análogos. Cada campo da un resultado diferente pero el proceso es muy similar. 
Por otro lado, la figura del artista y la figura del científico también tienen muchas cosas en común. Por ejemplo, ambos tienen que estar produciendo contenidos constantemente; el artista obras de arte y el científico artículos científicos. En ambos casos, dicha producción tiene que estar validada por sus respectivas comunidades.  También está el tema de la multidisciplinariedad; en el campo de la ciencia es cada vez más común que científicos de diferentes campos trabajen en colaboración: físicos con biólogos, ingenieros con químicos, etc. Lo mismo pasa en el campo del arte.”

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Fotografía: Roberto Ruiz

Su peculiar trayectoria -licenciado en Matemáticas, máster en Fotónica y doctorado en Física con una tesis sobre algoritmos matemáticos enfocados a mejorar la precisión de los instrumentos utilizados en el sincrotrón ALBA- ha hecho de él un artista singular, como él mismo reconoce: “para mí cada vez es más difícil saber si lo que estoy haciendo es arte o es ciencia. En todos mis proyectos como artista hay una componente científica muy importante. Al principio me esforzaba en determinar si mi trabajo estaba más cerca de la ciencia o del arte. Ahora ya no me interesa determinarlo. Me he dado cuenta de que lo importante no es saber si mis obras se exhibirán en el Museo de la Ciencia o en una galería de arte. Lo relevante es saber por qué quiero hacer eso, cuáles son las motivaciones que me mueven. A menudo sucede que una obra nace de una cuestión científica que evoluciona hacia un lado más artístico, por ejemplo. Así pues, no hay una separación muy clara entre una cosa y la otra.”

Así, incluso los lugares donde exponer reflejan esta dualidad: “Una de las cosas de la que estoy más orgulloso es del hecho de que muchas de mis obras nacen de la colaboración entre una institución artística y una institución científica. Eso hace que gran parte de mi trabajo tengan sentido tanto en un contexto científico como artístico. Por ejemplo, en algunas ocasiones, un mismo trabajo se ha exhibido en el jardín botánico y en el sincrotrón ALBA o en el Centro Nacional de Microelectrónica. En este sentido, una pieza clave de mi obra es mi tesis doctoral con la que en 2014 gané el Concurso de Artes Visuales Premio Miquel Casablancas. La tesis que presenté a concurso era exactamente la misma que presenté al tribunal de tesis el día de mi defensa. No había ningún cambio de formato. Posteriormente, esta tesis, este trabajo científico, estuvo en exhibición en el CaixaForum como obra artística.”

Pep Vidal obtuvo en 2014 el premio Miquel Casablancas y ha expuesto entre otros lugares en la Fundació Tàpies o en el CaixaForum. En el campo de la divulgación científica, Pep fue co-fundador de granja.cat, un proyecto para la difusión de la cultura matemática, especialmente entre los niños y niñas, con talleres, charlas y otras actividades.

Su obra puede verse en la web:

http://www.pepvidal.com/projects

La entrevista completa con Ester S. Cacho se encuentra en la siguiente dirección:

https://esterscacho.wordpress.com/

 

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Fotografía: Pep Herrero

 

Bibliografía:

https://esterscacho.wordpress.com/

http://www.pepvidal.com/projects

Doppler Eco Tac, de Miriam Isasi

DOPPLER ECO TAC es un proyecto de la artista Miriam Isasi, cuyo objetivo es indagar en torno al sonido y su formalización desde lo vivencial, empleando la física como motor de partida y, en concreto, el efecto Doppler, esencial dentro de un  modelo diagnóstico tan habitual en la actualidad como es el de la resonancia magnética.

La resonancia magnética emplea imanes y potentes ondas de radio para crear imágenes del cuerpo. Esto se consigue mediante el efecto Doppler, que fue descubierto por el físico austriaco Christian Andreas Doppler. El efecto consiste en que cuando un objeto se aleja o se acerca a una persona, el sonido que emite varía en su frecuencia. Los ultrasonidos que rebotan en la sangre son diferentes según la dirección y la velocidad del flujo de sangre. Mediante estas alteraciones en las ondas de ultrasonido, el ecógrafo puede interpretarlas y asignar un color concreto para cada frecuencia.

El proyecto artístico, que se expuso en el espacio Montehermoso en Vitoria en 2016, se plasma en una instalación que muestra las tres grandes fases del proyecto: la partitura compuesta a  partir de sonidos brutos obtenidos de varias resonancias magnéticas, la interpretación realizada por la  orquesta, y cinco piezas audiovisuales que dialogan con la música, entre otros elementos.

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Mención especial merece la música del compositor Joan Espasa, una singular partitura que aporta un fondo extraordinariamente grave y solemne a la creación de Isasi. El punto de partida del trabajo composicional fueron los datos obtenidos de una ecografía de efecto Doppler a la que fue sometida la propia artista, una prueba diagnóstica relacionada con una pérdida temporal de visión, dolencia que es conocida en el argot médico como amaurosis fugaz.

La grabación de las piezas se realizó en el Teatro Barakaldo, con la participación de intérpretes como Ainara LeGardon, Izadi Vélez de Mendizábal y Mario Sarramián, entre otros.

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Ainara LeGardon, por Mario Sarramián. Grabación de la obra “Buco”, de Joan Espasa para el proyecto “Doppler eco tac” de Miriam Isasi. Teatro Barakaldo, 05/07/16.

En el siguiente vídeo, la artista nos deja una introducción de su trabajo:

 

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tumblr_static_boqhz75ygbkkckkw8cw0c08gsSYMMETRY! es un montaje fílmico que mezcla Danza, opera y ciencia: todo en uno. Este film rodado en el CERN, el mayor acelerador de partículas del mundo, es toda una curiosidad y un interesante hito en la interrelación entre arte y ciencia.

“En la búsqueda de la partícula más pequeña… él descubre la danza del cosmos”

Una peculiaridad de su producción es que el propio CERN ha participado en este ambicioso proyecto artístico que explora y fusiona los mundos de la ciencia, el arte y la filosofía. Nada menos.

http://www.symmetrymovie.com/

El trailer se puede ver aquí:

Arte microbiano

El arte microbiano​ o arte con gérmenes es aquel que se realiza con bacterias vivas, hongos y protistas siguiendo ciertos patrones. Este tipo de arte, curiosamente, no es en absoluto novedoso sino que se ha practicado desde hace muchos años. Por ejemplo, el propio Alexander Fleming (1881-1955) fue uno de los primeros en experimentar con microorganismos la producción de arte mediante la creación de “pinturas germen”. En este tipo de creaciones las placas de agar se suelen utilizar como lienzo, y las diferentes bacterias y levaduras pigmentadas o fluorescentes hacen las veces de pintura.

También existe una técnica llamada “bacteriografía”, que implica matar selectivamente ciertas áreas de un cultivo bacteriano mediante radiación, con el fin de producir patrones artísticos. Después de la incubación, la cultura es sellada con acrílico.

La creación de Arte microbiano contiene algunas llamativas especificidades: una de ellas es que resulta casi imperceptible a la vista humana. Es arte microscópico, arte hecho con bacterias, así que ya se sabe, el que quiera contemplarlo de primera mano necesitará la mediación de un microscopio.

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Como es posible observar en estos ejemplos, el arte microbiano utiliza las bacterias para crear piezas únicas a raíz de la transformación y la evolución de estos microorganismos vivos.

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Otra de las curiosidades de este tipo de creación es que se mantiene vigente un concurso específico de arte microbiano: el “Agar Art”, un certamen de pintura utilizando bacterias que es organizado por la American Society for Microbiology. En este peculiar concurso participan creaciones procedentes de todo el mundo proporcionando obras asombrosas que pueden contemplarse en su página web.

Los ganadores del año 2017 se pueden contemplar en la siguiente dirección:

https://www.asm.org/index.php/public-outreach/agar-art

Entre los metacrilatos de este certamen se han podido contemplar creaciones coloridas de salmonella, enterococcus faecalis, streptococcus, escherichia coli y muchos más.

¡Ojo!, mirar pero no abrir.

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