El ADN y Dalí

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“Árabes acidodesoxiribonucleicos” ( 1963 )

En 1953 fue descubierta la doble hélice de ADN, un acontecimiento científico de primer orden que resultaría asimismo toda una revelación para Salvador Dalí.

Se dice que un día, hablando sobre ello, acabó dejando una frase que ya se ha hecho célebre y que sintetiza a la perfección el asombro que le provocó:
“…Y ahora las declaraciones de Watson y Crick sobre el ADN. Esto es para mí la prueba
verdadera de la existencia de Dios”.

A partir de los trabajos de Watson y Crick Dalí comenzó a reflexionar y a trabajar para incorporar la nueva estructura a su obra. Y algunas muestras de ello hoy pueden servir para comprender un poco mejor su fascinación.

Se dice que para él los códigos de las espirales genéticas representaban algo más que el “secreto de la vida”, simbolizaban la inmortalidad, los brazos de Dios resucitando a Cristo, la ley moral divina, algo así como los peldaños de la escala de Jacob y sus ángeles subiendo y bajando como moléculas de ADN (motivo que acabaría plasmado en un lienzo de forma prácticamente literal).

Uno de las muestras más tempranas de Dalí en la incorporación de la estructura ADN es el cuadro llamado Paisaje de mariposas en 1956.

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Más adelante, en 1963, dedicaría una carpeta de litografías a los citados Watson y Crick,  quienes habían sido galardonados con el Premio Nobel poco antes.

La titularía Galacidalacidesoxiribunucleicacid.

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El mismo Dalí, en el interior de la carpeta justifica lo extenso del nombre:

  “En un tiempo en el que los títulos de las pinturas son bastante cortos (P. ej: “Pintura numero 1” o “Blanco sobre blanco”) yo he llamado a mi homenaje a Crick y Watson

GALACIDALACIDESOXIRIBUNUCLEICACID

Es mi título más largo en una sola palabra. Pero el tema es también muy largo. Tanto como lo es la persistencia genética en la memoria humana. Ya lo anunciaba el profeta Isaías: El Salvador está contenido en la cabeza de Dios, que lo ve por primera vez en la historia iconográfica. Sus brazos repiten la estructura molecular del modelo de Crick y Watson y levantan el cuerpo de Cristo muerto para resucitarlo en el cielo”.

El siguiente cuadro es el más conocido de la serie:

'Galacidalacidesoxiribunucleicacid', de Dalí.

Otra muestra se produciría a consecuencia de la petición de una obra que le hizo, en la década de los 70, el químico español Juan Oró para encabezar el programa de la reunión de la Sociedad Española de Bioquímica que se celebraría en Madrid. El resultado fue un lienzo en el que Dalí presentaba el ADN a la manera de la escalera de Jacob, por la cual, decía, se puede alcanzar el cielo. El cuadro incorporaba también unos ángeles que su autor identificó como los “ARN mensajeros”.

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En esa misma década, en 1973, crearía también otra obra inspirada en la estructura titulada La estructura del ADN. Obra estereoscópica

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Y en 1975 la denominada Mensajeros polinucleotídicos (Homenaje a Severo Ochoa)

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La recurrencia del ADN en su obra y en sus intervenciones públicas llegaría a oídos de Watson, quien mostraría interés en que se conocieran. El encuentro parece que por fin se produjo por fin una nochevieja del año 1965. Se dice que Salvador Dalí, que solía albergarse en el Hotel Sant Regis, recibió una nota de la recepción que rezaba:
“El segundo hombre más inteligente del mundo quisiera ser recibido por el hombre más
inteligente del planeta”.
La nota la firmaba el propio Watson. Se cuenta que tuvieron una emocionante cena en la que conversaron durante horas acerca del ADN y de la existencia de Dios.
Tras el encuentro Watson dijo algo así como:
“Era un hombre inteligente, ya sabe. Ahora bien, cuando decía que ‘la doble hélice
prueba la existencia de Dios’, él interpretaba la doble hélice a su manera, mientras que
para mí era justamente lo contrario: con la doble hélice no hace falta Dios”.

Se cuenta que la amistad entre Watson y Dalí se prolongaría durante mucho tiempo, pese a que mostraran opiniones y visiones del mundo tan dispares.

En cualquier caso, lo que parece claro es que el descubrimiento de la doble hélice caló con enorme fuerza y fijación en Dalí. De hecho, parece ser que fue enterrado con una túnica bordada expresamente para él con la doble hélice. Esperando, imaginamos, que le abreviase en lo posible su particular escalera hacia el cielo.

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La ballena va llena

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El Proyecto Ballena es una obra de arte conceptual y La ballena va llena el registro documental de esta obra de un grupo de artistas argentinos —el colectivo Estrella del Oriente— que se pregunta si no se podría resolver el problema de las migraciones humanas convirtiendo a las personas en obras de arte que pudieran ser importadas por los museos del primer mundo para gozar así de la protección de las leyes que rigen la circulación y el cuidado de las colecciones de arte.

“¿Quién decide lo que es una obra de arte?”, se pregunta y se responde Juan Carlos Capurro, uno de los artistas: “Básicamente, lo deciden instituciones y medios legitimados. Como colectivo somos una institución, y si somos una institución nosotros también podemos hacerlo”.

El razonamiento parte del núcleo conceptual duchampiano de que una obra de arte puede ser cualquier cosa existente (ready made, ya hecha): “Si una obra de arte puede ser cualquier cosa, por qué no un ser humano”, reflexiona Capurro.

En línea con aquella ruptura emblemática en la historia del arte que fue la exposición de un urinario como obra, en 1917, por parte de Marcel Duchamp, el colectivo, integrado por el cineasta Marcelo Céspedes, el músico Tata Cedrón y los plásticos Juan Carlos Capurro, Pedro Roth y Daniel Santoro, encuentra esta particular “solución legal” al tema de la inmigración ilegal.

Una solución irrefutable, al menos desde la lógica surrealista de este colectivo. Aquella bíblica ballena que salvaba a Jonás de la tempestad marina, vomitándolo en tierra firme, daría forma a este barco que iría recolectando a los inmigrantes que se hubieran inscrito para emigrar —previa aceptación de su ‘pase’ a obra de arte— a museos de Norteamérica y Europa. En la nave viajarían también curadores, directores de instituciones y críticos de arte. Y para ver en qué términos transcurriría una travesía semejante podemos apreciar la maqueta del barco-ballena, que exhibe elementos arquitectónicos de los museos más importantes del mundo (parte del Pompidou, detalles del Guggenheim de Nueva York o de la Tate Gallery de Londres), y que culminan en el gran urinario donde se produce el pasaje simbólico de ser humano a obra.

Dibujo de la ballena-barco que transporta a los inmigrantes.

La ballena va llena es, según Daniel Santoro, “el registro semidocumental de una gigantesca acción artística, de carácter bíblico (…) que incluyó la realización de instalaciones a lo largo de la filmación de la película”. La más importante de esas instalaciones es la del Museo Real de Budapest, una de las puertas de entrada a la Europa occidental, en donde surgieron interesantes debates como el del estatuto que tendrían las obras una vez dentro del museo, si contarían con libertad de circulación o si estarían subordinadas a lo que las autoridades decidieran sobre el uso de su tiempo y mano de obra. De ahí surgió la Declaración de Budapest, que da forma más cerrada a la idea.

“Máquina de eclipses”, de Santiago Carlomagno

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Máquina de eclipses”, de Santiago Carlomagno, es una instalación interactiva que simula un eclipse en tiempo real. Mediante proceso de programación y sensor de movimiento, la obra propone una simulación del fenómeno en la que el propio visitante producirá un eclipse, moviendo la luna remotamente gracias a un sensor de movimiento (leap motion) que rastreará los desplazamientos de su mano replicándolos en el eclipse que se verá proyectado sobre el muro.

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Especial atención  de este proyecto merece el aspecto sonoro, producto de una composición original que mezcla vientos solares o frecuencias de onda de planetas remotos tomados de los archivos de la NASA.

El autor, que se reconoce, fascinado por los fenómenos espaciales, pone en la mano del espectador la ilusión de intervenir sobre el universo, multiplicando el efecto de la paradoja de Borges sobre el desierto.

Esta instalación se presentó, entre otros lugares, en el Centro Cultural de la Ciencia de Buenos Aires, Argentina, en el año 2017.

http://cargocollective.com/santiagocarlomagno/Instalacion-video

 

Bioblocks: Building for Nature

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Bioblocks es el resultado de un taller celebrado en la Universidad de Swansea en el que más de 200 niños utilizaron arcilla para esculpir una serie de cubos que pudieran resultar hábitats ecológicamente atractivos para ser utilizados por las criaturas marinas.

La experiencia partía de la idea de generar mediante diferentes texturas cubos llenos de grietas, agujeros y voladizos que pudieran proporcionar refugio y que permitieran que los animales y las algas marinas se aferrasen con mayor facilidad al rompeolas.

El taller es una de las formas en que se metaboliza el proyecto SEACAMS, por el cual  los investigadores de la Universidad de Swansea trabajan el entorno del Tidal Lagoon Swansea Bay para mejorar el valor ecológico de este hábitat.

Bioblocks representa una iniciativa peculiar que combina un taller de arte infantil con una intervención de apoyo a un hábitat ecológico, con el apoyo de expertos e investigadores, que monitorizan el desarrollo del mismo y que permiten a los niños y a sus familias adquirir una mejor comprensión de la vida extraordinaria y particular de las criaturas marinas más pequeñas.

Más información en:

http://www.swansea.ac.uk/science/news/researchasart2017-winnersannounced.php

https://i1.wp.com/orielscience.co.uk/wp-content/uploads/2017/10/IMG_7591.jpg

FASE – Encuentro de arte, ciencia y tecnología

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FASE (Encuentro de arte, ciencia y tecnología) es un encuentro anual que se celebra en Buenos Aires en torno al arte, a la ciencia y la tecnología.

En 2018 celebrará su décima edición, y durante estos años FASE se ha consolidado como una plataforma de referencia en el campo del arte, la ciencia y la tecnología dentro del ámbito iberoamericano, que promueve, estimula y difunde el trabajo de artistas, estudiantes e investigadores.

Durante el evento se desarrollan exposiciones y actividades específicas en diferentes soportes artísticos, como arte sonoro, audiovisual, bioarte, performances o instalaciones audiovisuales.

Además, se acompaña de un programa de extensión educativa, charlas, talleres, debates y se presentan proyectos seleccionados, como performances, instalaciones e intervenciones efímeras.

En la edición de 2015 se pudieron ver -como recoge el siguiente vídeo- obras tan interesantes como las siguientes:

 

Simon Stalenhag, ilustración en tiempos de “distotecnologías”

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© Simon Stålenhag

La ilustración del sueco Simon Stalenhag resulta perturbadora en tanto que su trabajo combina el hiperrealismo gráfico más descarnado con una importante carga metafórica, referencial y narrativa que se hilvana entre la profunda y pesimista visión distópica del mundo que desprenden sus obras y las alusiones más o menos veladas a la literatura y el cine de ciencia ficción que se pueden rastrear en ellas. En sus ilustraciones el ser humano aparece siempre alienado por la tecnología, desapasionado y pasivo, concentrada y absorbida su energía en el desencantado espacio entre wifi y wifi, entre aparato y aparato, entre cable y cable.

Imagen relacionada
© Simon Stålenhag
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© Simon Stålenhag

El espectador se siente a la vez constreñido por lo que tiene delante pero, a la vez, no puede evitar percibir con extrañamiento y con distancia el espejo que Stalenhag nos pone frente a nuestros ojos: una imagen incómoda pero reconocible de nosotros, la mutación del sueño tecnológico en pesadilla.

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© Simon Stålenhag
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© Simon Stålenhag
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© Simon Stålenhag

Puede verse gran parte de su obra en su web:

http://www.simonstalenhag.se/

o en su página de tumblr:

https://www.tumblr.com/search/Simon+Stalenhag