Métodos de investigación bioquímica

En esta sección continuamos publicando, por materias, los factores de impacto y cuartiles de las revistas. Este mes continuamos con Métodos de investigación bioquímica (pincha sobre la negrita para verlo).

Mes a mes iremetalcomplexmos publicando estos datos relativos a otras materias. En el caso de que alguien necesite información sobre cuartiles u otros datos bibliométricos relativos a otras áreas que no estén recogidas en el blog puede ponerse en contacto con la biblioteca, donde estaremos encantados de proporcionarle dicha info.

Finnegans Wake, la novela más experimental de James Joyce

La teoría de la relatividad ejerció, desde su aparición, un gran impacto tanto en científicos como en artistas, literatos y filósofos. Así, la relatividad tuvo evidentes implicaciones en la percepción del espacio y del tiempo, y esto repercutió en la concepción artística de un modo muy significativo: por ejemplo, en la pintura, con la pluralidad de perspectivas del cubismo o en los dibujos de Escher o, también en la arquitectura con el racionalismo funcional de la Bauhaus.

En el caso de la literatura, las influencias de la nueva visión del espacio y tiempo se manifestarían en la narración desde diferentes puntos de vista o en la utilización del tiempo lento en la narrativa. Algunos autores destacados que ensayan y plasman en sus obras esta percepción serán Virginia Wolf, William Faulkner, James Joyce o Thomas Mann.

En este sentido aparecen reflexiones sobre el tiempo en novelas como La montaña mágica (1924) de Mann o sobre las cuatro dimensiones en la tetralogía El cuarteto de Alejandría (1957-60) de Lawrence Durrell. En el caso de James Joyce, sus obras más emblemáticas juegan con un tiempo narrativo muy especial. Así se puede ver en Ulises (1922), donde el autor hace un uso del tiempo muy particular, ya que sus cerca de mil páginas sirven para narrar solo 24 horas, un día en la vida del protagonista Leopold Bloom recorriendo la ciudad de Dublín.

Sin embargo donde se hace una utilización del tiempo de una forma más original es en su última obra: Finnegan’s Wake (1939). Se trata de una obra que admite las más amplias interpretaciones, que incluyen desde la broma pesada  hasta la obra maestra irrepetible.

Lo más relevante en esta obra es que el tiempo es cíclico, lo que ya se hace patente al comienzo, puesto que la primera es una frase ya empezada que continúa las palabras con las que acaba el libro.

Una de las principales características de Finnegans es su concepción “circular” o, mejor aún, “esférica”, en la que todos los elementos narrativos son principio y fin de toda la estructura. El mismo título de la obra es un ejemplo de esto. Wake, en inglés es “velatorio”, pero también “despertar”, y en el primer capítulo del libro se relata el velatorio de Finnegan, un albañil muerto a causa de un accidente, y su despertar o resurrección al caer sobre su cuerpo unas gotas de whisky.

Pese a dichos obstáculos y a que no se ha resuelto completamente el significado de muchos detalles enigmáticos, parece que hay acuerdo entre lectores y comentaristas en la valoración de sus protagonistas y trama. El libro trata, de una manera poco ortodoxa, sobre la familia Earwicker, compuesta por el padre, Humphrey Chimpden Earwicker, su esposa Anna Livia Plurabelle y sus hijos, los mellizos Shem (the Penman) y Shaun the Post, y su hija Isobel (Issy). Siguiendo un rumor confuso que acusa a Humphrey y, a través de una narrativa onírica no lineal, el relato sigue los intentos de su esposa para exonerarlo mediante una carta, el afán de su hijo tratando de reemplazarlo, y el ascenso de Shaun a la prominencia; la novela se cierra con un monólogo de Anna a la llegada del amanecer. La primera frase del texto es un fragmento que continúa la línea inconclusa del final, definiendo la obra como un ciclo sin fin.Muchos expertos en la obra de Joyce, como Samuel Beckett y Donald Phillip Verene, relacionan esta estructura cíclica con el texto seminal de Giambattista Vico titulado Principios de ciencia nueva, en torno al cual, argumentan, se estructura Finnegans Wake.

Esta obra, además, contiene una curiosa aportación al vocabulario científico, ya que, según asegura Murray Gell-Mann, él propuso la palabra quark para designar los componentes internos de los hadrones a partir de una de las numerosas frases enigmáticas que contiene la obra: «Three quarks for Muster Mark!».

En la Red de Bibliotecas del CSIC se encuentra una amplia bibliografía sobre esta obra.

El gabinete del doctor Caligari

Continuamos la serie sobre científicos “un poco especiales” en la historia del cine con una de las cintas más importantes de la década de los 20.

Se trata del principal largometraje del realizador alemán Robert Wiene (1873-1938). El guión, del austriaco Carl Mayer y del checo Hans Janowitz, se inspira en hechos reales sucedidos en Hamburgo y recoge algunas ideas de Fritz Lang (a quien se le ofreció la dirección, aunque la declina por sus compromisos anteriores de realización de “Las arañas (parte 1 y 2)). La película se rueda en un estudio instalado en Lixie-Atelier (Weissensee, Berlín) entre diciembre de 1919 y enero de 1920, con un presupuesto estimado de 20.000 DM. Producido por Erich Pommer y Rudolf Meinert para Decla-Bioscop, se proyecta por primera vez en público, en sesión de preestreno, el 26 de febrero de 1920 (sala Marmorhaus, Berlín).

La acción dramática tiene lugar en un pequeño pueblo de montaña del noreste de Alemania llamado Holstenwall. El presente narrativo del film (1920) es diferente del presente del relato (anterior, pero indeterminado). La narración se desarrolla en un largo flashback que contiene otro flashback. El joven Francis (Fehér), sentado en el banco de un jardín protegido por una tapia elevada, cuenta al compañero o amigo que le acompaña unos hechos extraordinarios de los que fue testigo directo. El Dr. Caligari (Krauss), un sabio aficionado al estudio de fenómenos de alteración de la mente, especializado en sonambulismo, muestra en su gabinete de la feria de Holstenwall a un sonámbulo, Césare (Veidt), de 23 años, que lleva toda la vida en estado catatónico y que puede dar respuesta a preguntas sobre lo que ocurrirá en el futuro sobre temas relacionados con la vida y la muerte. Al mismo tiempo se producen en el lugar varios asesinatos terribles y otras acciones criminales.

El film suma drama, terror, horror, suspense y thriller. Dividido en seis actos, es una obra abiertamente vanguardista, para muchos la primera cinta expresionista de la historia. Reúne todos los elementos propios del cine expresionista: escenarios amenazantes, interpretaciones exageradas, decorados fuertemente estilizados, objetos deformados, puertas y ventanas irregulares, fuertes contrastes de luces y sombras, maquillaje lúgubre, iluminación tenebrosa, imágenes deformadas, encuadres inclinados, efectos teatrales que exageran o deforman la realidad… Incorpora, también, los elementos argumentales propios del cine expresionista: atmósfera claustrofóbica, exploración del lado oscuro de la condición humana, referencias a la muerte, la violencia, la locura y la maldad, ambigüedades, situaciones de angustia, etc. El estilo narrativo claro y naturalista del cine tradicional se hace aquí oscuro, confuso, desordenado y caótico.

Todo esto se refuerza con la fotografía, de Willy Rameister, en B/N, la cual presenta algunos pasajes teñidos de azul, sepia o verde azulado. Se apoyará también en una decoración imaginativa de los pintores Hermann Warm, Walter Reimann y Walter Röhrig y en una espléndida iluminación tenebrista de propio Rameister. La cámara, por su parte, se sitúa ante el escenario y permanece habitualmente inmóvil, mientras se mueven los actores y algunos objetos como el tiovivo de la feria.

 

No hay acuerdo sobre el significado profundo del film. Para unos es una alegoría de la debilidad e incapacidad de la República de Weimar para gobernar el país y resolver sus problemas de paro, inflación y orden público. Para otros es una denuncia de la situación de angustia de Alemania tras su derrota en la  Primera Guerra Mundial y la humillación que supone para ella el Tratado de Versalles (1919). Para unos terceros el film es una exaltación del poder y la autoridad, aunque otros consideran lo contrario. Algunos ven en él una denuncia del desánimo de la juventud alemana, obligada por las circunstancias a la inacción, la somnolencia y la desesperanza.

Su influencia en el cine posterior ha sido enorme: por ejemplo en los trabajos que se realizan en EEUU poco después (“Drácula”, de Tod Browning, 1931, o “El doctor Frankenstein”, de James Whale, 1931). Influirá también decisivamente sobre el cine negro clásico, las películas de terror de la Hammer, o sobre la larga serie de obras con monstruos, así como en el cine contemporáneo de Tim Burton (“Eduardo Manostijeras”, 1990), Terry Gillian, David Lynch entre otros.

 

Fandangos in space, de Carmen

Una curiosa e interesante formación británico/americana de los años 70 sería la encargada, en plena época de fascinación espacial, de elevar el fandango a elemento cósmico. Su estilo se denominó de varias maneras: “Flamenco progresivo”, “Flamenco rock” o también “rock de influencias andaluzas”. Esta ultima definición no parece ajena a otro movimiento ibérico de desplazamiento de las suertes del flamenco hacia el mestizaje eléctrico y electrónico de bandas como Triana, Smash, Storm, Alameda, Imán, Guadalquivir y muchas más.

Carmen se formó en Los Angeles por el perspicaz guitarrista de flamenco y cantante David Clark Allen y su hermana Angela Allen cantante y bailarina, ambos influenciados por padre y madre guitarrista y bailarina de flamenco, respectivamente. Allí en Los Angeles se les uniría otro bailarín y cantante de origen español, Roberto Amaral. Con la llegada de este último se decidió encarar un proyecto de banda de rock con ritmos flamencos. Fue así que a principios de la década del 70 viajan a Londres, donde se les unió el bajista John Glascock y el baterista Paul Fenton. Allí interactúan con toda la agitación musical de la época y viven la gestación  del “glam rock”, en el entorno de artistas como David Bowie, Marc Bolan (T. Rex) o Bryan Ferry (Roxy Music). En 1974 al regresar a USA debido al gran éxito de “Fandangos In Space”, telonearán a leyendas como Santana, Blue Öyster Cult y Electric Light Orchestra y, al año siguiente, a Jethro Tull.

Con una propuesta  similar a la del Jethro Tull de la segunda mitad de los 70 (pero obviamente desde la fusión de rock con el flamenco), Carmen lanza su primer trabajo titulado “Fandangos in Space” con la producción de Tony Visconti, a sugerencia del  mismísimo David Bowie.
La clara intención de “flamenquear” al rock progresivo, se manifiesta en el comienzo del disco: “Bulerías”, una mini/suite de tres movimientos. Una introducción sin igual para un disco a un grito de: ahora!!!!!!, al cual le siguen contundentes bases de guitarras y bajos con destellos de moogs y un canto a lo “spanglish”, donde podemos vislumbrar frases como: “Anda jaleo, jaleo/en el café de Sevilla/ they get down al tiroteo”.

Más allá de algunos topicazos que transitan por el disco (alusiones a las corridas de toros, un spanglish a veces llamativo, etc.) y que pueden desanimar al personal hispano, el disco propone un trabajo con muchos cambios de tiempos y texturas sobre una notable base rítmica. Se conjugan elementos de la psicodelia, del rock progresivo y de varios palos del flamenco para construir un disco único y original.

Carmen es una banda digna de recordar, lamentablemente de efímera trayectoria. Solo lanzarían dos álbumes mas: “Dancing on a Cold Wind” (1975), con una portada con los cigarrillos “Gitanes” (al estilo de Camel  en”Mirage”) y “The Gypsies” (1976).
Las performances de Carmen en vivo presentaban a Amaral y a Angela Allen bailando, zapateando y empleando castañuelas y otros instrumentos de percusión, en un escenario ampliado especialmente para la ocasión.
Después de la de disolución, los componentes siguieron en la música en diferentes proyectos: David Allen continuó componiendo, por ejemplo, para ABBA y en 2007 lanza un disco  con reminiscencias de Carmen titulado “Widescreen”.

Roberto Amaral formó una compañía de discos llamada “Delicia Music” y también continuó haciendo y enseñando baile flamenco en Los Angeles.

John Glascock, por su parte, fue llamado por Ian Anderson para formar parte de Jethro Tull en 1975 y debutar con el gran album: TOO OLD TO ROCK `N´ ROLL: TOO YOUNG TO DIE! (1976) donde también su pareja de entonces, Angela Allen, participaría en los coros. Lamentablemente , luego de grabar cuatro discos más con Jethro Tull , en 1979 a los jòvenes 28 años,  John Glascock fallece debido a una enfermedad congénita en el corazón. Paul Feton participó en un proyecto de Marc Bolan de T.Rex y también en  una banda tributo al mismo.

CARMEN fueron

David Allen – voz, guitarras
Roberto Amaral – voces, vibrafono, footwork, castañuelas
Angela Allen – voces, mellotron, synth, footwork
John Glascock – voces, bajo
Paul Fenton – bateria, percusión

Puedes escuchar el disco completo aquí:

Museo del Atlántico de Lanzarote, de Jason deCaires

Las primeras esculturas del Museo del Atlántico de Lanzarote se han sumergido este pasado febrero frente a la costa lanzaroteña de Playa Blanca. Se trata del proyecto del Primer Museo submarino de Europa, que albergará un total de 400 obras del artista británico Jason deCaires.

The Raft of Lampudesa. Museo Atlantico in Lanzarote, Spain - by artist Jason deCaires Taylor

 

Jason deCaires Taylor es un artista británico (Dover, 1974) que ha alcanzado notoriedad internacional tras sus intervenciones escultóricas submarinas. Utiliza únicamente materiales respetuosos con el ecosistema marino y promueve que atraigan vida natural, convirtiendo las obras en nuevos arrecifes y conglomerados de moluscos, algas y múltiples especies vegetales. Su trabajo en las islas caribeñas de la Granada ha sido elegido como una de las 25 Maravillas del Mundo por National Geographic. Entre sus proyectos más aclamados están el Museo Subacuático de Arte en la costa mexicana -entre Cancún e Isla Mujeres- y la colosal escultura Ocean Atlas -cinco metros de altura y 60 toneladas- en las Bahamas.

Se prevé que se podrá comenzar a visitar a nado o buceando a partir de marzo, aunque se culminará en el verano de 2017.

Una vez finalizadas y lavadas, las esculturas se sumergen a una profundidad no inferior a 12 metros ni superior a los 15, lo que permite que el museo resulte visitable por buceadores de todos los niveles y que, incluso, sea visible en determinados días desde la superficie. Se estima que las obras pueden sobrevivir hasta 300 años sumergidas.

El museo es un proyecto promovido por el Cabildo de Lanzarote a través de la red de centros turísticos de la corporación, que será la que se encargue de su gestión cuando comience a funcionar. El proyecto ha generado cierta controversia y cuenta con la oposición de algunos sectores sociales, quienes tildan de “museo de la corrupción”, ya que aseguran que se ha realizado una inversión de dinero público para beneficiar al puerto deportivo privado existente en la zona.

 

A hombros de gigantes

A HOMBROS DE GIGANTES es un programa de divulgación científica en RNE dirigido y presentado por Manuel Seara Valero. Es un espacio pegado a la actualidad con los hallazgos más recientes, las últimas noticias publicadas enlas principales revistas científicas, y las voces de sus protagonistas… Pero también es un tiempo de radio dedicado a nuestros centros de investigación, al trabajo que llevan a cabo y su repercusión en nuestra esperanza y calidad de vida.”A hombros de gigantes” es una de las frases más legendarias de la Ciencia. Fue escrita por Isaac Newton en una carta a Robert Hooke, hacia el año 1675. Newton se encontraba enzarzado con Hooke en polémicas epistolares acerca de la famosa ‘Ley de la gravitación universal’, y escribió “Si he visto más lejos es porque estoy sentado sobre los hombros de gigantes”, en clara referencia a científicos de la talla de Kepler, Copérnico o Descartes.

Todos los programas se pueden encontrar en:

http://www.rtve.es/alacarta/audios/a-hombros-de-gigantes/